Raymundo Gleyzer: La mirada-puño.

Por Diego M. González

¿Quién es Raymundo Gleyzer? ¿Por qué querés escribir sobre él? ¿Te parece todavía relevante? Estas fueron algunos de las preguntas que me hicieron cuando empecé a hablar sobre Gleyzer. A medida que me fui internando en su obra, mi pregunta era otra: ¿por qué un cineasta tan brillante y tan comprometido había sido relegado, hasta olvidado, por nuestra cinematografía? La “mirada-puño” de Gleyzer irritaba a muchos nexos de poder tanto autoritarios como populares en su momento. En tiempos de la muerte de las ideas (según el posmodernismo de los ’90), su mero credo – abiertamente ideologizado – también parece incómodo: "...crear imagen, convencer, analizar, plantear, mostrar, ejemplificar... concientizar, concientizar, concientizar..." Un adagio de los '70 decía que a los héroes no se los lloran, se los reemplaza. En el caso de Raymundo Gleyzer, a más de 30 años de su desaparición, todavía esperamos por ese reemplazo.


La realidad quema
La búsqueda de un mundo mejor está presente desde su primer cortometraje, La tierra quema (1963), que cuenta la historia de una familia campesina que huye de la sequía y al hambre del sertão del nordeste brasileño. Dura apenas 12 minutos, pero se destaca su estilo cortante y seco, y fundamentalmente, algo que después se volvería la característica absoluto del cine de Gleyzer: la denuncia.
Ahondando en el cine etnográfico, Gleyzer convoca su ex-profesor de cine Humberto Ríos como fotógrafo y viaja a Córdoba donde en 1965 realizan dos cortometrajes documentales: Ceramiqueros de Tras la Sierra y Pictografías de Cerro Colorado.
Profundiza este estilo de documental a fin del mismo año cuando comienza el primero de dos trabajos con Jorge Prelorán: Ocurrido en Hualfin (1965), que él define como "la historia de tres generaciones afectadas por el paso del peronismo". Comienza poco a poco a despuntar su visión marxista sobre el mundo y su desconfianza frente al peronismo, del cual dice "ha pasado y para estos descendientes de indios aymarás todo sigue igual".
Juntos realizan también Quilino (1966), pero la ideología explícita de Gleyzer choca de bruces con la de Prelorán, quien proponía una manera prístina, objetiva, “sin ideología”, de acercarse al actor social (aunque con el tiempo Prelorán admitirá estar equivocado en la pretensión de la "ausencia de subjetividad").
En 1966 Gleyzer empieza a documentar eventos en otro marco, como cameraman en Telenoche. Gracias a su habilidad, le dan notas especiales, y hasta consigue un permiso del gobierno británico para ir a filmar a las Islas Malvinas, convirtiéndose en el primer periodista argentino en filmar allí. Su modo de observación, como lo ha hecho con los artesanos, los campesinos y los matacos, hace que el film sea un retrato de la vida cotidiana de los kelpers, sin ninguna connotación panfletaria.
Se convierte en notero freelance, viaja mucho junto a su mujer, Juana Sapire (sonidista en todos sus trabajos), y los noticieros de Canal 13 le encargan notas de cada país que visitaba. Su nota desde Cuba en 1969 se vuelve la más conocida: la dirección del noticioso demora en sacarla al aire, ya que la nota, editada por Gleyzer antes de enviarla a Argentina, comienza con la frase "Estamos acá, en el primer territorio libre de America Latina...".

“Una idea en la cabeza, una cámara en la mano” (Glauber Rocha)

Al viajar a México en 1970 convoca nuevamente a Humberto Ríos y filman el documental México: La revolución congelada, que denuncia el carácter burócrata que tomó la revolución mexicana después del gobierno de Cárdenas. Mezcla el recurso clásico de una voz en off que estructura las imágenes de archivo de la revolución con un uso novedoso de voces de trabajadores del campo. Éstas contrastan con los discursos vacíos y demagógicos del entonces candidato a presidente por el PRI en la visita a esos pueblos en medio de la campaña electoral. En la Argentina, pese a estar prohibida hasta el año 1973, el film provoca varias polémicas con todas las organizaciones peronistas que lo entienden como una crítica indirecta hacia el movimiento.

El cine como arma de contrainformación
Gleyzer ingresa a las filas del PRT-ERP y se dedica cada vez más a la militancia, ejercitando el uso de la cámara como manera de contrainformar. Los únicos trabajos que realiza con el apoyo exclusivo de esta organización son los Comunicados del ERP No 5 y 7 (1972), cortometrajes de 12 minutos donde se describen dos acciones hechas por la agrupación.
Inmediatamente después del fusilamiento de los presos de Trelew, edita un mediometraje con la declaración de prensa completa de tres integrantes de organizaciones armadas apresados en el aeropuerto seis días antes de que fueron fusilados. Consigue realizarlo clandestinamente gracias a un compañero del laboratorio donde revela el material: a este material le agrega una introducción y un final y el título Ni olvido ni perdón (1973).
Cada vez más comprometido con los acontecimientos políticos, Gleyzer planteaba un cine de respuestas rápidas y proyección clandestina debido a la represión del gobierno militar. Influído por el grupo Cine Liberación (liderado por Pino Solanas y Octavio Gettino y vinculado a la Juventud Peronista), Gleyzer funda el Cine de la Base, vinculado al PRT-ERP. En una época de plena ebullición política, Gleyzer era una usina de generar proyectos para poner la cámara al servicio de la revolución, sea en Argentina, Chile o Bolivia.
De a poco comienza a gestar su proyecto más ambicioso, Los Traidores, un largometraje ficcional donde describe la historia de Roberto Barrera, delegado sindical militante en la Resistencia Peronista, luego secretario general de su sindicato y posteriormente asesinado por una organización guerrillera. Combina, sin embargo, elementos de diferentes géneros, como el policial y el humor, culminando en una escena onírica digna de Buñuel o Fellini. Denuncia directa sobre la burocracia sindical, Los Traidores pone la cuestión del peronismo en el ojo de la tormenta, con intención de concientizar a los obreros y estudiantes peronistas de que la salida era el marxismo. La película apenas logra la calificación en la llamada primavera Camporista de 1973, luego comienza su derrotero de exhibición clandestina en sindicatos, villas miserias y universidades, entre otros ámbitos.
El último film terminado que dirige Gleyzer es Me matan si trabajo y si no trabajo me matan (1974), un cortometraje realizado en una fábrica donde los obreros realizan una huelga con olla popular debido a la muerte de muchos de ellos a causa del saturnismo (intoxicación por exposición al plomo).

...Esta soledad que pronto te va a matar / vas perdido por las calles que solías andar/ vas herido como un pájaro en el mar.../... no estás ciego si no ves donde no hay...(Noche de Perros, Serú Girán)

Su incansable militancia se acrecentaba tanto como el futuro negro que estaba por sufrir Argentina. A principios del 1976 es contratado para filmar en Estados Unidos, una buena posibilidad de hacer un dinero y de salir de la exposición frente a los grupos parapoliciales. Sus amigos insisten en que se quede en Norteamérica, pero decide volver a Argentina para visitar a su hijo y luego sí, marcharse a otro lugar.
Fue secuestrado el 27 de mayo de 1976, pasando a integrar la trágica lista de detenidos-desaparecidos bajo la última dictadura militar. Testimonios de algunos sobrevivientes del campo clandestino de concentración El Vesubio aseguran haberlo visto vivo allí, junto al escritor Haroldo Conti. Estos testigos dicen que Gleyzer ya estaba ciego a causa de la tortura. Para Raymundo habrá sido como la muerte misma: los asesinos conocían el poder de su mirada puno.

Epilogo
"...su postergada filmografía (es) dueña de una curiosa vigencia que supera largamente el marco histórico y político en el que fue realizada. Durante años Raymundo Gleyzer fue recordado y reivindicado como periodista... así figura en las listas del Nunca Más. Ese recuerdo fue justo pero también cómodo, porque ante todo Gleyzer fue cineasta y como tal eligió colocar su cine en el centro de algunos de los antagonismos argentinos mas urticantes." Fernando Martín Peña y Carlos Vallina, El Cine Quema, Raymundo Gleyzer (Ediciones de la Flor, 2000).

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Flagelo Rosa

Por Serra

Detrás de las paredes: arte y resistencia.

Por Nahuel A. Billoni

Quien resistirá (cuando el arte ataque)
L.A. Spinnetta
Las paredes son la imprenta del pueblo.
Rodolfo Walsh.

A partir de un hecho concreto el autor realiza un análisis sobre la importancia del arte como resistencia. Repasa una serie de casos en que este existió y produjo grandes obras artísticas.

En los meses pasados se inició un conflicto entre los estudiantes del Centro Universitario de Merlo, la Intendencia de dicha ciudad y la Universidad de Buenos Aires, a raíz de la intención de cerrar el establecimiento en el que se dictan clases correspondientes al Ciclo Básico Común. El problema surgió cuando el intendente de Merlo intentó interrumpir el funcionamiento del CUM debido al supuesto vencimiento del alquiler de las instalaciones. Si se llevaba a cabo la medida, miles de alumnos perdían el lugar en el que estudiaban y se veían obligados a cursar en otras sedes. La dificultad no sólo consiste en la reubicación, sino también en las consecuencias que lleva un cambio de sede: distancias más largas y aumento del gasto en viáticos.
En consecuencia, los alumnos tomaron la sede en señal de protesta y como única forma de asegurarse que no cierren el lugar cuando no se encuentre nadie. Las clases siguieron dándose y sucedió la curiosidad que un alumno se despertaba, guardaba las sabanas, limpiaba el aula y esperaba que llegue el profesor para el comienzo de la jornada.
Finalmente, se llego a un acuerdo: el Centro Universitario de Merlo funcionará hasta julio, es decir, se dictará el primer cuatrimestre para después cerrarlo en forma definitiva. También, la UBA prometió que buscará donde instalar la nueva sede en el oeste. Hasta el momento sería en Moreno.
Mientras el conflicto se desarrollaba, un grupo de artistas plasmó su visión del asunto en las paredes de las instalaciones, creando un mural que refleja la disputa que se llevó a cabo. La actividad que realizaron nos sirve para hacer un repaso sobre la importancia del arte como forma de protesta, actividad política y señal de compromiso. En otras palabras, la cultura como resistencia.

Muralismo: cuando las paredes hablan.

El muralismo nació en México a mediados del siglo XX y consistía en las obras que realizaban artistas en espacios públicos -para que todo el mundo tenga acceso- y contenían una gran carga política post revolucionaria. En ellas se emitían mensajes sobre la situación social y los momentos que atravesaba el país. Grandes pintores, como Diego Rivero y David Siqueiros, llevaron adelante este movimiento. Este arte popular, que no mostraba discriminación alguna, tiene un gran valor debido al compromiso que manifestaban los artistas. Parte de su importancia, era la de ser un arte público, sin ningún tipo de barreras para llegar a tener acceso. La carga simbólica que implica la actitud de estos realizadores sirvió como ejemplo para miles de artistas de todo el mundo.

Cine: mensajes en fotogramas
En el cine podemos encontrar varios casos donde el compromiso político y el arte fueron de la mano. En Argentina, en los años sesenta y setenta, hombres como Raymundo Gleyzer, Pablo Cedrón y Ezequiel “Pino” Solanas, realizaron obras cinematográficas de alta calidad con un mensaje político claro y directo.
En Los hijos de Fierro, Solanas cuenta la historia del peronismo a través de una analogía con el Martin Fierro. El protagonista de la obra de José Hernández -Perón- se encuentra exiliado y sus hijos –distintas ramas del peronismo: juventud, sindicalismo, etc. -tendrán la responsabilidad de traerlo de vuelta. Solanas comenzó la realización del film en 1973 con el apoyo del Instituto Nacional de Cinematografía y tuvo que concluir el rodaje en la clandestinidad en 1975, con dos actores asesinados por la triple A. Recién pudo estrenar la obra en la Argentina alfonsinista de 1985.
Aquí el cine es tomado como arma, como bandera en defensa de un ideal; y a la vez, como denuncia y alegato social. Solanas ya venía de la experiencia de La hora de los hornos, una película-manual-documental-educativa que fue realizada con la intención de proyectarla en villas, centros culturales y pocas universidades, siempre en forma marginal. La intención es la misma que la de Rivera y compañía: transmitir un mensaje por medio del arte.

Literatura: la pluma
En la literatura sobran ejemplos de obras que han sido señales de resistencia y, a la vez, piezas maestras de la literatura. Si nos concentramos en la Argentina encontramos varías, desde las más diversas posiciones ideológicas. Empezando por el Facundo de Sarmiento, que no era otra cosa que un ataque a Rosas a través del caudillo riojano, o El Matadero de Echeverría .
Varios años después, es imprescindible nombrar a esa gran investigación escrita de forma magistral que es Operación Masacre, de Rodolfo Walsh. El libro no sólo denuncia el fusilamiento contra los pequeños grupos de la resistencia peronista, sino que también instauró un nuevo género: mezcla de ficción, crónica e investigación. El escritor argentino se adelantó al Non Fiction de Truman Capote.
Los libros que mencionamos son apenas un par; por suerte existe mucha literatura que funcionó como resistencia, obras que plantaron una bandera por medio del arte.

Música

En la música argentina podemos nombrar a María Elena Walsh, León Gieco, Hugo del Carril y Osvaldo Pugliese. Son personas que han sabido combinar su labor artística y su compromiso político, ideológico y social.

Conclusiones
El hecho de que diferentes artistas asuman una postura es, desde ya, aplaudible. En estos días en que el negocio del arte oficial y privado impone unos límites muy claros, no dando lugar a las manifestaciones personales, es necesario reconsiderar el valor del arte popular como símbolo político, como un espacio independiente y libre pensante.
También es importante aclarar que un artista puede asumir una postura sin necesidad de tomar partido por alguna rama política. Sé que en la mayoría de los casos que citamos hay simpatías muy claras, pero esto no es una condición sine quo non.
Hoy son pocos los artistas que muestran inclinaciones; todos se encuentran sujetos a las reglas explicitas e implícitas que imponen las diferentes corporaciones. ¿O acaso los músicos pueden criticar a las multinacionales cuando se presentan en festivales que llevan el nombre de grandes marcas? ¿Es posible que escritores ataquen a los grandes medios cuando la mayoría vive de realizar columnas en ellos o de ganar los concursos que auspician? ¿Cuántos documentalistas que trabajan en televisión son totalmente independientes?
Por suerte, todavía hay artistas mediáticos –en el buen sentido- que mantienen una línea y un discurso y a la vez tienen abierta la puerta de los medios masivos. Por ejemplo, Ataque 77 siempre se manejo de una forma y pese al éxito siguió llevando adelante sus ideales: apoyó a diferentes ONG, a fábricas recuperadas y participó de varios festivales solidarios, que no fueron transmitidos a toda América latina y liderados por la mujer del hijo de un ex presidente argentino.
El arte público cuenta con varias ventajas: no esta sujeto a normativas ni imposiciones, no discrimina consumidores, es de libre acceso y es popular por excelencia. Hoy este tipo de arte podemos encontrarlo en las paredes, internet, radios y revistas independientes, centros culturales auto gestionados, músicos marginales y películas realizadas y difundidas fuera del circuito comercial.
La intención del artículo fue hacer un breve y arbitrario repaso de hechos en los que el arte funcionó como espacio de defensa. A partir de un mural detenernos a analizar cómo en momentos tensos e injustos surge la posibilidad de elaborar arte y utilizarla como algo que va más allá de la simple contemplación. Cuando esto sucede merece nuestra atención y nuestro respeto.

Nota: las imágenes pertenecen al mural que realizaron en el Centro Universitario de Merlo.

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Retenciones al cine nacional infantil.

Por Gerónimo Reig

Estamos en vaciones de invierno, que mejor momento para hablar de películas infantiles.

El día que tuviste que llevar a tu ahijado al cine a ver Papá se volvió loco, o Mi papá es un ídolo, o Un papá genial, o alguna otra película infantil nacional, te quisiste matar. Sin embargo, Shrek 2 fuiste a verla solo, sin ahijado ni nada. ¿Porque? ¿Tenés algún problema con el Cine Nacional? ¿Te quedaste en los 90 y creés que sólo lo importado es bueno? ¿Padecés un delicado conflicto psicológico sin resolver con tu padre y no podés ver ninguna película que diga “papá” en el titulo? ¿O se trata de una perversa desviación sexual que provoca un estimulo erótico cuando lo ves a Shrek? Si tu caso no es ninguno de los recién nombrados, entonces seguí leyendo.
Un tiempo atrás, cuando todavía era estudiante, un profesor de Guión me hizo notar algo. Me dijo que los guiones de las películas infantiles yankis eran los mas sólidos y mejor realizados. Desde aquel día hasta hoy, no paro de estar de acuerdo. Voy a hablar específicamente de las películas de animación digital norteamericanas, que en este momento son un gran porcentaje de las películas infantiles que producen. Estos films, que los niños disfrutan, son literalmente para toda la familia; es por eso que vos fuiste al cine solo.
No te sientas mal, a todos nos gustan. Están hechas en dos dimensiones: una para los chicos y otra para los grandes, y todo ocurre a la vez en cada escena. Si consideramos que hacer el guión de una película es un mérito, el guionista de este tipo de películas es un talentoso hijo de mil puta. La magia de esta técnica se encuentra en que casi nunca los grandes y los chicos se ríen de las mismas cosas. Estos films articulan paralelamente un humor inteligente con uno mucho más básico. También podemos sumar a este fenómeno dos factores: el hecho de que los chicos, cada vez más, nos pasan el trapo y nos explican los chistes a nosotros, y que cuando disfrutamos de una película y relajamos el espíritu crítico podemos reírnos como chicos del humor básico.

Creo que el mejor ejemplo para explicar esto es la tan esperada y exitosa película de Los Simpson. Quizás a muchos no les haya parecido gran cosa, pero creo que son muy pocos los que dicen que no les gustó. Elijo este film porque el grupo de seguidores de Los Simpson es probablemente más grande que el de los Rolling Stones y más diverso que el de Lost. A todos nos gusta la familia de Homero, exceptuando algún que otro enfermo que no mira el programa. Lo curioso es que a todos nos gusta por distintas razones. Los más chicos se ríen cuando Homero se golpea, los no tan chicos se ríen de las travesuras de Bart, otros se ríen con la estupidez de la sociedad americana, otros aprecian la crítica social, los pibes se divierten con las aventuras de Homero y yo hasta me emociono con los lazos familiares. Si a esto le sumamos que la película de los Simpson fue una de las más esperadas de los últimos años (teniendo en cuenta que la expectativa destruye cualquier cosa) creo que se puede decir que la película cumplió con su fin en forma más que satisfactoria. Tiene un poco de lo que cada grupo de seguidores quieren ver y NO, NO ES UN CAPITULO LARGO. El guión tiene un desarrollo y una complejidad que no se podría dar en ningún episodio semanal.
Otra película que me llamó la atención cuando la vi fue Toy Story 2. Además de ser muy buena, tiene una característica admirable: el hecho de que haya dos personajes iguales (Buzz Lightyear) y que nunca, ni por un segundo, se nos confundan. Uno de los protagonistas encuentra en una juguetería a otro modelo igual a él, que los acompaña en la travesía, pero tienen personalidades tan distintas que siempre podemos distinguir a uno del otro. Esto, que durante la película siquiera percibimos, también es un gran mérito del guionista y los realizadores.
Ahora, quizás podemos ir entendiendo un poco mejor por qué no disfrutamos tanto Un argentino en Nueva York. Las películas infantiles nacionales, en general, no tienen estas cualidades; no descarto el éxito que tienen con los chicos -que en definitiva es lo más importante- pero, de ahí no pasan. Hace poco vi Brigada Explosiva: Misión Pirata (incluso trabaje en la producción de la película como meritorio). Yo era fan de las antiguas películas de la Brigada Explosiva y desde chico había querido realizar una secuela. Pensaba en una película homenaje a las anteriores, que ahora algunos consideran Cine de culto. Al margen de esto, la nueva película de la brigada no es nada de esto; es una de las peores películas que vi en mi vida (la peor sigue siendo Batman y Robin). De todas formas, quiero aclarar que si yo tuviera ocho años me encantaría. Debe ser lo que me sucedió con las antiguas películas de la brigada porque, sinceramente, no estaban mejor hechas que esta.

Un punto muy importante a tener en cuenta en toda película es el mensaje. Si te ponés a pensar cual es el mensaje de Brigada Explosiva: Misión Pirata sólo vas a escuchar grillos. Voy hacer una muy injusta comparación usando como ejemplo la película Robots, otra de animación digital yanki. Esta pasó sin pena ni gloria; yo la enganche un día en la tele y realmente no lo podía creer. No es mejor que Shrek u otra de esas, pero posee un subtexto que de sub tiene muy poco y es increíble. En una sociedad de robots, la única empresa que fabrica repuestos para los diversos modelo de ciudadanos decide fabricar una sola línea de repuestos para que todos sean iguales, pero, a la vez, es muy cara para la mayoría. Los robots sin mantenimiento pasan a ser descontinuados y no sólo tienen problemas de salud a causa de la falta de repuestos, si no que además deben esconderse de unas siniestras maquinas que recorren la ciudad secuestrando a los robot descontinuados para llevarlos al desarmadero. ¿Les suena? La película hace apología de una revolución armada contra la opresión de una dictadura provocada por una corrupta multinacional que maneja el destino de una sociedad. Y esto es bien literal, porque pese a la sutileza que caracteriza a las películas infantiles la lucha cuerpo a cuerpo se efectúa igual, sin que veamos sangre ni muerte. No estoy exagerando, no se trata de una película de Terry Guilliam y, aunque suene muy terrible, no deja de ser una peli muy cómica y ligera de ver. Esto a mi me parece muy destacable. Seguro que los chicos no ven este subtexto, no deben notar nada extraño o diferente de cualquier otra historia. Pero si está aprendiendo, aunque sea conceptualmente, es mucho más interesante lo que va aprender viendo Robots, sin la necesidad todavía de saber los horrores de una dictadura real. Aunque tengo que reconocer que quizá digo esto sólo porque a mi me gusta mucho que las películas tengan ese tipos de subtextos.
¿Y Shrek? ¿Es sólo divertida? Para nada. Esta saga vino para reinventar un género que era una porquería y ahora, gracias al ogro verde, es buenísimo para que lo vean lo niños (¡que son el futuro, señora mamá!) Estoy criticando al famoso concepto de príncipe azul, otra porquería muy superficial. Quizás, en su origen no fue así, pero en los tiempos que corren eso es una mierda, lo que menos necesitan los chico es desarrollar el elitismo estético, de eso ya esta encargándose al resto de la sociedad. Y si piensan que soy muy dramático, pregunten a cualquier nena que mire Patito feo si prefiere al grupo de las populares (las buenas y feas) o al de las divinas (nenas lindas, malas y que bailan eróticamente); hasta ahora no encontré ninguna nena que banque a las populares. Vuelvo al tema. Fiona elije ser fea por siempre para quedarse con el monstruo al que ama; incluso teniendo la oportunidad de convertirse en humanos apuestos los dos, ella elije seguir siendo un ogro junto a su marido. Nada más digno que esto. Con decir que el hada madrina y el príncipe azul son los malos de la historia ya esta todo más que claro. Y, además, te re contra re cagas de risa.
En cuanto a nuestro cine, esta semana se estrena una nueva de Los superagentes, en la cual, las hembras deseadas son Sabrina Rojas y Florencia de la V. ¡Que lindo! Si alguno de mis amigos, el día de mañana decide ponerse tacos y tetas, yo lo voy a seguir queriendo y respetando como siempre e incluso lo voy a llamar Noelia con todo gusto, pero no lo pondría nunca como objeto sexual de una película infantil. Y no es que discrimine, pero no me digan que no va a ser confuso para un nenito entender que la morocha que le causa cosquillitas es un señor.
Otra que esta por estrenarse es Valentina. Sólo vi el trailer y ya puedo decirles que la animación deja muchísimo que desear. Dicen que una cadena es tan fuerte como el eslabón más débil, así que si el guión, el mensaje y los actores son buenísimos, va a ser muy difícil que uno lo note cuando no puede dejar de pensar en lo trucha que es la imagen. Lo mismo pasó con Condor Crux, que tenía una animación más pobre que el Chavo. Y no es que son los primeros pasos de esta atrasada Nación que incursiona en el terreno de la animación como puede. Es mentira: se puede hacer más que bien incluso acá en Argentina. Y si no vean el trailer de El ratón Pérez 2 o la saga de Dibu.
El Cine Nacional esta creciendo y dando muy buenos frutos; sin embargo, las únicas películas nacionales que realmente facturan en taquilla son las que yo critique en esta nota. Muy a mi pesar, esto demuestra que son las que la gente elige. Yo creo que el mayor esfuerzo de hacer una película esta en realizarla; hacerla bien depende de las intenciones, el talento y el presupuesto (de los últimos dos tenemos). ¿Por qué apuntan sólo a llenar los cines? ¿Por qué no hacer buen cine ya que estamos? ¿Por qué hacemos Peligrosa Obsesión? Es una perfecta imitación de un género de acción norteamericano, con un presupuesto enorme es recontra berreta, nada menos original y más ajeno a nosotros, y sin embargo… ¡FUE UN ÉXITO!. Y los pibes dicen: “por fin hacemos una buena película de acción argentina”. ¿Argentina?. Disney es una horrenda corporación que no se diferencia de cualquier otra y, sin embargo, sus películas ya no intentan inculcarnos Valores pedorros (muchas veces si), facturan millones de todos modos y les chupa un huevo si el mensaje es revolucionario o conservador, y nosotros hacemos una película donde los buenos terminan siendo un grupo norteamericano de la DEA. La gente elige este cine porque es el que le gusta, pero ellos no eligen que sea una mierda, eso lo deciden los productores. El chancho come basura porque se la da el dueño.
En fin, nuestro cine comercial es una porquería y aun así es el que más factura. Yo, cuando se trata de llevar a mi ahijada al cine prefiero ir a ver Wall-e, que tiene todas las características buenas que ya mencione, dos protagonistas que sólo saben decir sus nombres y aun así son súper expresivos, y un subtexo muy copado.
Pero antes de despedirme voy ser un poco más justo, teniendo en cuenta que:
1) Los chicos disfrutan igual las películas berretas y esa es la meta, en eso no se las puede criticar.
2) No todas las películas infantiles nacionales son así de malas.
3) Disney y Pixar venden sus películas a todo el mundo y recuperan sus enormes inversiones en una semana.
4) Los yankis tienen muchas más películas infantiles pedorras que nosotros: todas las de Chevy Chase de vacaciones, la de Vin Diesel cuidando nenitos y muchas otras más.
5) Hacen miles de películas más que nosotros y tienen hechas más películas malas que todas las Argentinas juntas.
6) Es malísimo para los chicos que aprendan qué es un dentista mirando Buscando a Nemo, que además causo la muerte de miles de pescaditos que niños tiraron al inodoro porque habían visto en la película que llegaban al mar. Moraleja, si nos vamos a copiar de ellos, no copiemos los defectos. Nos sobra capacida.

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Variaciones sobre Joaquín

Por Maitena Minella

Opinión- A continuación un personal análisis sobre las letras del cantante español.

"Yo no pagaría una entrada para verme actuar"

"Lo mejor que trajo Colón de América fue el tabaco"
Joaquín Sabina.

Joaquín R. Martínez Sabina escribe, escribe y sigue escribiendo. Tal es así que escribió sus primeras letras en un bar “Mexicano-Taberna”. Acá, actuó ante ¡George Harrison! Y el ex-Beatle (ante la felicitación musical del español), le entregó cinco libras, su propina.
Así comienza…
A medida que pasa el tiempo se comprenden mejor las letras de Sabina, aunque todavía no se llega a descifrar ese enredo de letanías y sentimientos que nos dejan sus letras y los acordes de la gloriosa guitarra de San Pancho Varona.
Joaquín es un poeta que se inspira en la tristeza, en lo que queda después de la pasión; ironiza sobre el destino, la traición, el desengaño, el sarcasmo: Esta noche contigo, Sin embargo.
Nos cuenta historias sobre mujeres, sexo y vicios (casi, en ese orden): Barbie Super Star, Medias Negras, Juegos de azar; pero por sobre todo llama a las cosas por su nombre.
Tiene un estilo personal, urbanista, real: Joaquín Sabina es el Rey de la improvisación.
Amante incondicional del género femenino, ha sabido utilizar sus dotes como poeta para conquistar bellas mujeres. No han faltado, ni faltarán, oportunidades en que les cante a sus grandes musas inspiradoras.
A cualquiera le gustaría ser Jimena: Una Rosa de Lima, a la que hasta las suelas de tus zapatos echen de menos, la que no traiciona por treinta lucas, La que, en vez de silicona bajo el jersey, tiene un jardín con dos terrones de azúcar.

"...Que el fin del mundo te pille bailando,que el escenario me tiña las canas,que nunca sepas ni cómo, ni cuándo,ni ciento volando, ni ayer ni mañana..."

"Noches de boda" - 19 días y 500 noches (1999)

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